Magnum Photos at 70. – Frankfurt

Magnum Photos at 70. Past – Present – Future

Symposium, Ausstellung, Workshop in Frankfurt am Main

Thomas Dworzak » David Hurn » Newsha Tavakolian »

Freitag 24. + Samstag 25. November 2017 Veranstalter: Deutsche Börse Photography Foundation in Kooperation mit Magnum Photos
und Leica Camera Frankfurt

 

Veranstaltungsort:

Leica Camera Frankfurt GmbH

Großer Hirschgraben 15 . 60311 Frankfurt (Main)

Deutsche Börse Photography Foundation

Mergenthalerallee 61 . 65760 Eschborn
T +49 (0)69-21 11 40 60
foundation@deutsche-boerse.com
deutscheboersephotographyfoundation.org/

Die Agentur Magnum Photos feiert in diesem Jahr ihr 70-jähriges Jubiläum. Das bietet Anlass, einen Blick auf die Entstehungsgeschichte aber auch auf die gegenwärtige Entwicklung der internationalen Fotoagentur zu werfen. Die Deutsche Börse Photography Foundation veranstaltet in Kooperation mit Magnum Photos und Leica Camera Frankfurt am 24. und 25. November 2017 ein Programm, das die Begegnung mit Magnum-Mitgliedern in Frankfurt ermöglicht.     Thomas Dworzak, A beach. Destruction from the Georgian-Abkhaz war which took place between 1991 and 1993, Georgia, 07/1995 © Thomas Dworzak/Magnum Photos   Freitag, 24.11.2017
Symposium von 18:30 bis 21:00 Uhr

Eintritt frei, Veranstaltung in englischer Sprache
Anmeldung unter leica@leicagalleryfrankfurt.de erforderlich
Bitte beachten Sie, dass die Sitzplätze begrenzt sind.

Das Symposium am Freitag, den 24. November 2017, bietet zum einen Podiumsgespräche mit den drei Fotografen Thomas Dworzak (DE), David Hurn (UK) und Newsha Tavakolian (IRN), moderiert von Marco Bischof und Anne-Marie Beckmann. Zum anderen zeigt Marco Bischof, Züricher Filmemacher und Sohn des Magnum-Fotografen Werner Bischof, eine Auswahl gefilmter Interviews mit weiteren legendären Magnummitgliedern, u. a. mit Martin Parr, Bruce Gilden, Thomas Hoepker, David Hurn, Chris Steele Perkins, Peter van Agtmael, Peter Marlow, Inge Morath, Rene Burri und Bruce Davidson. Damit gewähren über drei Generationen von Fotografen Einblicke in die unterschiedlichen Arbeitsweisen, Anforderungen und in das Selbstverständnis von Magnum Photos als Organisation.

Die Ausstellung mit Arbeiten aus der Art Collection Deutsche Börse sowie einer Werkauswahl aus der Leica Galerie spannt den Bogen von den frühen 1950er-Jahren bis heute. Mit Werken von u. a. Werner Bischof, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paul Fusco und Alec Soth sind viele verschiedene fotografische Ansätze vertreten.

Martin-Gropius-Bau

F.C. Gundlach: Der Meister der Modephotographie

ARTE im Martin-Gropius-Bau
Filmpremiere und Gespräch FR 24.11.2017, 19:00

Dokumentarfilm von EVA GERBERDING, ARTE/NDR 2017

Er hat sie alle vor die Linse bekommen: Jean-Luc Godard, Romy Schneider, Maria Schell, Jean Cocteau, Curd Jürgens. Die Fotografien von F.C. Gundlach werden weltweit ausgestellt und haben eine ganze Generation von Fotografen beeinflusst. Darüber hinaus ist er Sammler und Kurator, 1975 eröffnete er die erste Fotogalerie in Deutschland. Die Filmautorin Eva Gerberding hat den heute 91-jährigen Gundlach über fünf Jahre mit der Kamera begleitet und exklusiven Einblick in sein Privatarchiv erhalten.

Anschließend Gespräch mit den Fotografen BARBARA KLEMM und HANS HANSEN sowie der Filmautorin EVA GERBERDING
Moderation: PROF. DR. HUBERTUS VON AMELUNXEN

VERANSTALTER
ARTE in Kooperation mit Martin-Gropius-Bau

Sendetermin des Films auf ARTE: Januar 2018

Stiftung Wunderlampe

Christof Schmidt für die Stiftung Wunderlampe. “Schwer- oder langzeiterkrankte und behinderte Kinder leben in einer Welt, die geprägt ist von vielen Spitalaufenthalten, Operationen und Einschränkungen. In diesem schwierigen und oft auch traurigen Alltag schafft die Stiftung Wunderlampe einen Moment der Freude, einen Lichtblick, mit einem wunderschönen, unvergesslichen Erlebnis.”
Um eine grosse Wahrnehmung der Stiftung in der breiten Bevölkerung, bei potenziellen Spender zu erreichen, durfte Christof Schmidt zwei Bilder für eine Spenden-Kampagne umgesetzten, die in verschiedensten Online- und Printmedien, bis hin zu Plakate
Schweizweit zum Einsatz kommt.

Paris Photo 2017

Paris Photo 2017

Private opening: Wednesday, November 8 (by invitation only)

Paris Photo and further six photo fairs are making their mark: This week more than 150 photography exhibitions are visible in Paris. See therefore the Extra-Newsletter PARIS during PARIS PHOTO. And also many relevant photo auctions will be there.

Grand Palais Avenue Winston Churchill | 75008 Paris
Wed November 8 : by invitation only
Thu-Sat November 9-11 : 12 pm – 8 pm
Sun November 12 : 12 pm – 7 pm

www.parisphoto.com

Kosmos Train – Janine Graubaum

Janine Graubaum Fotobildband: Kosmos Train Tausende Kilometer mit der Eisenbahn von Albanien bis Weißrussland: Angezogen von dem Charme der alten Sowjetzüge reiste die Fotografin Janine Graubaum immer wieder in den Osten Europas.
In ihrem Bildband „Kosmos Train“ zeigt sie den Alltag der Reisenden und taucht mit ihnen in den Mikrokosmos Zug ein. Es sind die privaten Momente in den Zugabteilen und auf den Bahnhöfen, die den Betrachter in den Bann ziehen. Herausgekommen ist eine Collage aus Exotik und Abenteuer (für den westlichen Betrachter) und  aus Stillstand und Fatalismus (für den östlichen Zugreisenden).

Kosmos Train ist im Peperoni Books Verlag erschienen und kann unter www.kosmos-train.de bestellt werden.

 

DZ BANK Kunstsammlung

Die DZ BANK Kunstsammlung zeigt vom 29. September 2017 bis 6. Januar 2018 in ihrer aktuellen Ausstellung“[AN-]SICHTEN: Vom Umgang mit der Wirklichkeit” 28 Arbeiten von dreizehn internationalen Künstlern, welche die Wahrnehmung gleich in mehrfacher Hinsicht infrage stellen.

Vertreten sind in dieser Ausstellung Fotoarbeiten aus der Sammlung von Gregory Crewdson, Thomas Demand, Valie Export, Joan Fontcuberta, Anton Henning, David Hockney, Barbara Klemm, Rosemary Laing, Louise Lawler, Ville Lenkkeri und Helen Sear sowie Neuerwerbungen von Barbara Probst und Michael Schäfer.

Das Ausstellungsformat [AN-]SICHTEN wird von einem Gastkurator aus einem anderen Kulturbereich gestaltet. In diesem Jahr richtet Thomas Rietschel, ehemaliger Präsident der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt am Main, seinen Blick auf die DZ BANK Kunstsammlung. Thomas Rietschel hat Fotografien der Sammlung ausgewählt, die auf unterschiedliche Weise ein Spannungsfeld erzeugen zwischen der Wirklichkeit und dem, was sie als scheinbare Realität darstellen – ein Thema, das durch die politischen Lage und die Diskussion um „fake news“ gerade einen aktuellen Bezug erhält.
Weitere Informationen unter www.dzbank-kunstsammlung.de

Düsseldorfer Fotoschule – Die neue deutsche Objektivität

Bernd und Hilla Becher, Begründer der Düsseldorfer Fotoschule, sorgten mit ihren schnörkellosen und nach Objektivität strebenden Bildern für grundlegende Umwälzungen in der fotografischen Praxis. Absolventen wie Thomas Ruff und Andreas Gursky, die durch diesen Stil entscheidend geprägt wurden, zählen zu den einflussreichsten Fotografen des 20. Jahrhunderts (Stan Naumann, Dokumentation Frankreich 2011). Teil der Playlist “Düsseldorfer Fotoschule: Becher, Gursky, Ruff, Struth, …” hier:

 

OFF//FOTO 2017

OFF//FOTO 2017//OPENING : Sa, 2. September, 19:00

Kulturzentrum dasHaus, Bahnhofstraße 30, 67059 Ludwigshafen am Rhein
Über 70 Fotografieausstellungen in der Metropolregion Rhein-Neckar

mit Petra Arnold, Bruce Barnbaum, Ralf Brueck, Andrea Esswein, Horst Hamann, Mateo Hamann, Markus Kaesler, Franziska Klose, Tamara Lorenz, Eyal Pinkas, Irina Ruppert, Peter Schlör, Timo Schuster, Kamil Sobolewski, Miriam Stanke, Lorant Szathmary, Gerhard Winkler, u.a.

Festival: 3. September bis 5. November 2017
Eröffnung: Samstag, 2. September, 19 Uhr
im Kulturzentrum dasHaus in Ludwigshafen
Lange Nacht der Fotografie: Samstag, 23. September 2017

Noch nie zuvor waren so viele Fotoausstellungen in Mannheim, Heidelberg und Ludwigshafen, aber auch in anderen Städten der Region wie Dannstadt-Schauernheim, Ladenburg, Speyer, Viernheim und Frankenthal zu sehen. Zeitgleich mit der Biennale für aktuelle Fotografie wird das Medium Fotografie in diesem Herbst groß gefeiert.

OFF//DIVERSITY
Breite fotografische Vielfalt
OFF//FOTO versteht sich als großes, regionales Publikumsfestival, das über den engen Kreis von Fotofachleuten auch all jene Besucher anspricht, die sich von der Magie der Bilder begeistern lassen. Zum dritten Mal zeichnet sich das Fotofestival durch eine große stilistische, technische und motivische Vielfalt aus.

OFF//SPACES
Fotografie an ungewöhnlichen Orten
OFF//FOTO bezieht viele gesellschaftliche Akteure ein. Neben bekannten Galerien gilt es eine Reihe ungewöhnlicher Ausstellungsräume zu entdecken. So stellt Peter Schlör etwa im ehemaligen Wohnhaus des Hasselblad Award-Preisträgers Robert Häusser aus, Andrea Esswein im barocken Schloss Kleinniedesheim, Mateo Hamann im Schloss der Mannheimer Universität, Miriam Stanke und Timo Schuster an und in Abrisshäusern der Ludwigshafener Innenstadt und Stephan Horch in einem ehemalige Hallenbad. Irina Ruppert zeigt ihre neuen, vor Ort entstandenen Arbeiten sogar mitten in einem Gemüsefeld in Dannstadt-Schauernheim. Alle Ausstellungen sind auf der Webseite www.off-foto.info aufgeführt.

OFF//CLASSES
Erstmals Workshop-Programm
OFF//FOTO und die Biennale für aktuelle Fotografie bieten erstmals gemeinsame Workshops an. International renommierte Künstler werden ebenso wie lokale Spezialisten ihr Wissen vermitteln und die Teilnehmer praktisch anleiten. Das Programm umfasst alte fotografische Verfahren, wie etwa Ambrotypie, Cyanotypie und die Kollodium-Nassplatten-Fotografie, aber auch Übungen zur Porträt- und Architekturfotografie.

OFF//NIGHT
Lange Nacht der Fotografie am Samstag, 23. September 2017
Erstmals sind während der Langen Nacht der Fotografie fast alle Ausstellungsorte von OFF//FOTO und alle der Biennale für aktuelle Fotografie bis in die späten Abendstunden geöffnet. Viele bieten an diesem Abend ein besonderes Programm.


Es erscheinen ein ausführliches Programmheft und eine kostenlose Festivalzeitung.
OFF//FOTO e.V. entstand aus einer Zusammenarbeit von Initiatoren der Fotoszene Mannheim. Sie vereint das gemeinsame Interesse an künstlerischer Fotografie und die Verankerung in der Kulturszene der Metropolregion Rhein-Neckar. Mit OFF//FOTO e.V. möchten die Mitglieder der Fotoszene der Metropolregion Rhein-Neckar eine Plattform bieten und ein Netzwerk stärken, das über die Region hinaus Wirkung zeigt.

Christof Schmidt News

POLO TEAM

Im Juli begleitete Christof Schmidt die Polo Schweizermeister
für die Agentur Furrerhugi und fotografierte
Reiter in Action und Spieler Portraits. Für eine
eigene Bildserie hat Christof Schmidt vom Team “Polo Bern”
eine Auswahl zusammengestellt. Die Kombination aus
schwarz/weissen Aktionbildern und Farb-Portraits
der Spieler – direkt nach dem Spiel aufgenommen -
abgekämpft, schmutzig und verschwitzt, fand Christof Schmidt
besonders spannend.

 

Darmstädter Tage der Fotografie

Jubiläum:

10. Darmstädter Tage der Fotografie vom 20. bis 22. April 2018
• Thema: Perspektiven – Strategien fotografischen Handelns
• Bewerbungsfrist für Merck-Preis endet am 10. November 2017
Darmstadt. Die Freunde der zeitgenössischen Fotografie dürfen sich freuen: Vom 20. bis zum 22.
April kommenden Jahres wird Darmstadt wieder für 3 Tage zum Mekka für die Freunde der
internationalen Fotokunst. Was vor 13 Jahren mit der Idee von 4 Darmstädter Fotografinnen und
Fotografen begann, zählt als Darmstädter Tage der Fotografie (DTDF) längst zu den Highlights unter
den deutschen Fotofestivals. Nun feiern die Ausstellungsmacher mit der 10. Auflage bereits das erste
runde Jubiläum.

Thema: Perspektiven – Strategien fotografischen Handelns
Die Jubiläumsausgabe widmet sich dem Thema „Perspektiven – Strategien fotografischen Handelns“.
Dabei wollen die Initiatoren das Fotografische in der Fotografie in den Mittelpunkt stellen. Es wird um
Bilder gehen, die die ursprüngliche Kraft der Fotografie bewusst machen und auf zeitgenössische Art
weiterentwickeln.

Merck-Preis der Darmstädter Tage der Fotografie erneut mit 10.000 Euro dotiert
Ein Höhepunkt des Fotofestivals bleibt die Verleihung des Merck-Preises der Darmstädter Tage der
Fotografie. Der Preis ist mit insgesamt 10.000 Euro dotiert und wird von dem Darmstädter
Wissenschafts- und Technologieunternehmen Merck gestiftet. Er wird bereits zum 7. Mal vergeben.
Zur Bewerbung um den Merck-Preis können Arbeiten oder Serien zum Jahresthema eingesendet
werden. Im Dezember wird die Jury etwa 30 Einreichungen auswählen, die während der Fototage-
Ausstellungen gezeigt werden. Aus diesen werden 3 Arbeiten für den 7. Merck-Preis nominiert. Erst
am Tag der Preisverleihung legt die Jury fest, wer den Hauptpreis von 7.000 Euro erhält. Die beiden
weiteren Nominierten erhalten je 1.500 Euro.

Die Jury setzt sich zusammen aus den vier Initiatoren der Darmstädter Tage der Fotografie. Das sind
Alexandra Lechner, Albrecht Haag, Gregor Schuster und Rüdiger Dunker. Weiterhin zählen Ute Noll
(on-photography.com) und Prof. Kris Scholz (h_da Darmstadt) zur Jury.

Die kompletten Ausschreibungsunterlagen können auf der Website www.dtdf.de unter Bewerbung
heruntergeladen oder über info@dtdf.de angefordert werden. Die Bewerbungsfrist endet am 10.
November 2017 (Posteingang).

Vernissage und Saisoneröffnung BILDHALLE

RENÉ BURRI – KOSMOPOLIT BILDHALLE 

Vernissage: Donnerstag 24. August von 18h bis 21.30h

René Burri schuf Ikonen der Fotografiegeschichte des 20. Jahrhunderts und entführte uns als viel reisender MAGNUM-Fotograf mit seinen eindringlichen Bildreportagen in alle Winkel dieser Welt. Seine fotografischen Arbeiten waren dabei immer an der Sache interessiert, engagiert, vielschichtig und emphatisch. Er wollte die Welt nicht nur dokumentieren, er wollte sie mit seinen Bildern auch verändern. Die Ausstellung in der Bildhalle wird eine eindrückliche Auswahl seiner signierten Schwarzweiss- und Farbabzüge zeigen, die sowohl das Gestalterische als auch das Dynamische in seiner Bildsprache herausarbeitet und dabei durchaus auch noch Überraschendes bereithält.

Gebäude von Luis Barragan, San Cristobal, Mexiko City, 1976 | Signierter C-Print | 40 x 50 cm | ©René Burri/Magnum Photos

«Die Welt von René Burri ist die Welt in ihrer Ausbreitung, in ihren unendlichen Facetten, in seinen Abertausenden von Negativen. Membra disiecta, also verstreute Dinge, die zusammen gehören durch den Blick ihres Urhebers. René Burris Welt ist unfassbar gross, aber immer konkret formuliert. Man hat von ‹Engagierter Fotografie› gesprochen, concerned photography. Mir kam in den Sinn, dass im Rückblick auf eine ganze Epoche und den Zeugen, der sie formuliert hat, so und nicht anders formuliert, ein neuer Begriff fällig würde: Essentielle Fotografie. Das ist es doch, was wir als René Burris Erben vor uns haben: eine Essenz hervorragender Gegenstände des zwanzigsten Jahrhunderts, aufgehoben in einem seiner Leitmedien, der analogen Fotografie. Aufgehoben mithin in einem besonders schönen Zustand.»

Dieter Bachmann (aus René Burri. Der Unberuhigte, Text zur Ausstellung in der Bildhalle)

Die Bildhalle freut sich, in enger Zusammenarbeit mit der Familie Burri für den Saisonauftakt 2017/18 die erste Einzelausstellung seit dem Tod des wohl bekanntesten und verehrtesten Schweizer Fotografen ankündigen zu dürfen und somit diesem «Humanisten mit Kamera» gebührend zu gedenken.

Gastredner: Dieter Bachmann
Die Ausstellung dauert bis 21. Oktober 2017

Men on a rooftop, Sao Paolo, Brazil, 1960 | Signierter Silber-Gelatine-Print | 40 x 50 cm | ©René Burri/Magnum Photos

 

 

Haus der Photographie der Deichtorhallen

ANDREAS MÜHE −
PATHOS ALS DISTANZ

19. MAI − 20. AUGUST 2017 IM HAUS DER PHOTOGRAPHIE


Mit Andreas Mühe (*1979 Karl-Marx-Stadt) stellt das Haus der Photographie der Deichtorhallen vom 19. Mai bis 20. August 2017 erstmals das junge, vielversprechende Œuvre des deutschen Fotografen vor, dessen ästhetische Wahrnehmung von der Welt des Theaters, der Inszenierung und der Verwandlung geprägt ist.

Die in enger Zusammenarbeit zwischen Andreas Mühe und Ingo Taubhorn, Kurator des Hauses der Photographie, inszenierte Ausstellung »Pathos als Distanz« unternimmt den Versuch eines Deutschlandbildes aus den Augen des Künstlers. Arbeiten aus allen Werkkomplexen Andreas Mühes finden im vom »Großen Festsaal« des Hamburger Rathauses inspirierten Hauptraum der Ausstellung im Zentrum des Hauses der Photographie in einer einzigartigen Inszenierung zusammen. Wie selbstverständlich werden Bezüge unter den Bildern aus bekannten Werkzyklen wie »Neue Romantik«, »Obersalzberg« oder »A.M.« aber auch bisher unveröffentlichte Arbeiten aus »Wald« oder »Jagd« sichtbar. Drei gesonderte Kabinette stellen in intimeren Rahmen Arbeiten aus drei Werkkomplexen vor, die als geschlossene Serien gezeigt werden, darunter »Haltung«.

Seine Werke beschäftigen sich mit Stimmungsklischees der Deutschen, Überhöhungen, Inszenierungen und Brechungen des Machtvollen. Jenseits von Heldenposen entsteht dabei bildnerisch geheimnisvolle Präsenz, so etwa in den Fotografien des Arbeitszimmers von Konrad Adenauer, den Häusern der DDR-Oberen in Wandlitz, dem italienischen Botschafter in seiner Vertretung oder den akribisch choreografierten Portraits von Künstlern und Politikern.

monopol-magazin

Instagram und die Neue Übersichtlichkeit

Was ist bloß aus der Fotografie geworden?

Auf Instagram ist alles auf die maximale Subjektivität hin ausgerichtet: mein Essen, meine Füße, mein Kaffee, meine Wohnung. Was bedeutet das für die Entwicklung der Fotografie?

Was ist bloß aus der Fotografie geworden? Das könnte man sich fragen, wenn man durch die Ausstellung “Fotografien werden Bilder. Die Becher-Klasse” im Frankfurter Städel Museum läuft. Dort hängen auf zwei Stockwerke verteilt die Arbeiten der Struffkys, von Candida Höfer, Jörg Sasse, Axel Hütte, Tata Ronkholz und Petra Wunderlich, der ersten Studentengeneration der so genannten Becher-Klasse also. Ihre Lehrer Bernd und Hilla Becher fehlen natürlich nicht (ausführliche Review der Ausstellung in der Juni-Ausgabe von Monopol).

Als die Bechers fotografisch tätig wurden, verstanden sie sich selbst als Denkmalpfleger mit Kamera, nicht als Künstler. Sie wollten fotografisch festhalten, was irgendwann einmal verschwunden sein werden würde. Fördertürme und Hochanlagen, Wassertürme und Gasbehälter, die stillgelegte und vom Abriss bedrohte Industriearchitektur. Die Bechers suchten kühle Objektivität, subjektives Eingreifen war untersagt, die Fotografie war für sie ein Aufzeichnungsmittel – gemeinsam arbeiteten sie sich an einer enzyklopädischen Bestandsaufnahme von Industriebauten mit ihren Kameras ab.

In Ausstellungen erkennt man die Arbeiten von Bernd und Hilla Becher meist schon von Weitem. Ihre Fotografien sind in Tableaus von 6-24 angeordnet. Mit ihren Typologien betonen sie den seriellen Charakter des Mediums Fotografie und fordern den Betrachter zu einem vergleichenden Sehen heraus. Keine Meisterwerke mehr, könnte man sagen, zumindest für einen Augenblick. Bei den Bechers musste sich das Einzelwerk in eine Gruppe einfügen. Digital Natives, die noch nie von Bernd und Hilla Becher und ihren Typologien gehört haben, sind vielleicht wahnsinnig entzückt darüber, dass im Museum endlich einmal etwas aussieht wie ein gut kuratierter Tumblr oder Instagram. Und jetzt muss man sich wirklich fragen, was ist bloß aus der Fotografie geworden?

Als die Bechers anfingen zu fotografieren, waren sie meist im Siegerland unterwegs, wo Bernd Becher herkam. Das ersparte ihnen weite Anfahrtswege. Neben Fördertürmen und Aufbereitungsanlagen der umliegenden Erzbergwerke fotografierten sie auch Fachwerkhäuser. Das Städel hat vor einiger Zeit auf seinem Instagram-Account nacheinander neun dieser Fachwerkhäuser geteilt. Im besten Fall hätte das dann zumindest ein ganz kleines bisschen ausgesehen, wie von Bernd und Hilla Becher intendiert. Nur ist das Format in der – wenn man einmal dieses Wort bemühen darf – Galerieansicht von Instagram das Quadrat. Die Fotos werden also oben und unten beschnitten und sehen folglich gar nicht mehr so aus, wie sie sollten. Vielleicht würden die Bechers bei solch einem Anblick die Hände über dem Kopf zusammenschlagen und schreiend aus dem Raum rennen, man weiß es nicht.

Fotografien werden bierdeckelgroße Bilder, so der Künstler Wolfgang Tillmansgerade über Fotos, die mit dem Smartphone gemacht wurden. Auf Instagram sind es sogar nur daumennagelkleine Bildchen. Schon allein das kleine Format sorgt dafür, dass die Bilder übersichtlich komponiert sein müssen, damit deren Inhalt beim schnellen Scrollen durch den Feed auf Instagram erfasst werden kann. The big printlarger than life, damit machte die Becher-Schule von sich reden. Eine Arbeit wie Gurskys “Montparnasse”, die aktuell im ersten Stock im Städel Museum an einer Wand hängt, würde mit ihrem Überwältigungseffekt und ihrer Kleinteiligkeit nicht funktionieren. Niklas Maak nannte das Werk wegen seiner Größe von 4,20 Metern in der Breite und knapp 2 Metern in der Höhe “das Hochhaus unter den Fotografien”.

Kommt nach der Neuen Sachlichkeit, dem Neuen Sehen oder beispielsweise der New Color Photography jetzt die Neue Übersichtlichkeit? Nicht nur die Bilder sind übersichtlich, sondern auch die Sujets. Der Blick der Bechers und ihrer Schüler musste maximal objektiv sein, ihre Arbeiten sind präzise, scharf und objektiv in der Wiedergabe des Motivs. Sie idealisierten nicht, ihnen ging es um die reine Beschreibung. Auf Instagram ist alles auf die maximale Subjektivität hin ausgerichtet. Mein Essen, meine Füße, mein Kaffee, meine Wohnung. Und alles bitte möglichst moody und kitschig für den Seufz-Effekt.

Mutet es da nicht ein bisschen wie Ironie an, dass auf Instagram dennoch teilweise zum Erfolg verhilft, was auch bei den Bechers und ihrer Schüler funktionierte und sie auf dem Kunstmarkt zu einer Marke machte? Die unbedingte Konzentration auf ein Thema, wie beispielsweise bei Candida Höfer die Konzentration auf Innenräume. Was etwa auf Instagram läuft: Wenn man nur Gässchen in den Altstädten dieser Welt fotografiert. Die Betonung des Seriellen, wie bei den Bechers. Das Einzelfoto muss auf Instagram sitzen, wie auch jedes weitere Foto, denn irgendwie sieht man zwar Einzelfotos, die aber wiederum fließen hinein in einen Strom von Bildern. Und wer braucht da noch den Kunstmarkt, wenn man sich mit dem Tableau des eigenen Lebens als Content Creator oder Visual Storyteller, kurz als Marketinggaul, vor den Karren großer Unternehmen spannen lassen kann?

http://www.monopol-magazin.de/was-ist-bloss-aus-der-fotografie-geworden

brand eins Ausgabe 06/2017 – Schwerpunkt Umsonst

 

Nicolai Goschin

Pitch dich selbst!

Wer kreativ arbeitet, gilt in den Augen vieler Auftraggeber als ehrenamtlicher Helfer. Für den Agenturchef Nicolai Goschin ist jetzt Zahltag.

Protokoll: Harald Willenbrock
Foto: Schmott

„Pay peanuts and you get monkeys.“ 

David Ogilvy (1911 – 1999), Werbelegende

 

• „Ich arbeite gern in einer Branche, die für mich die beste der Welt ist. Genau deshalb bin ich so entsetzt: Wenn ich mir ansehe, in welcher Schräglage man als sogenannter Kreativer heute permanent unterwegs ist, muss ich kotzen. Und zwar so richtig.

Was ist denn los, dass jeder denkt, Kreation wäre ein Süßigkeitenladen, in dem sich jeder nach Lust und Laune bedienen kann? Naschen, probieren, mitnehmen, Hauptsache, nicht bezahlen? Doch zunächst mal ein paar Schritte zurück zu jenem Novembertag, als ich die Briefing-Mail eines großen deutschen Unternehmens lese, dessen Marken wir jeden Tag im Discounter sehen und das uns als Agentur zum Pitch eingeladen hat. Erst wird mir warm ums Herz – und dann, allmählich, sehr kalt.

Einmal alles. Bitte für nichts

Dort steht, dass man an dem ersten Termin – zu dem natürlich diverse Agenturen eingeladen werden – etwas sehen möchte. Kennen wir. Gefordert wird die Analyse sämtlicher digitaler Kommunikationsmaßnahmen, also Websites, Microsites, Social-Media-Kanäle, Newsletter und vieles mehr. Man wolle aber nicht nur eine Analyse sehen, sondern gleich auch die Optimierungspotenziale ausgearbeitet bekommen. Darüber hinaus sollen relevante technische Trends vorgestellt werden. Und eine Wettbewerbsanalyse wäre auch schön, gern in Bezug auf die gesamte Kommunikation der Mitbewerber.

Also nix da mit ,Pitcht uns mal schnell ‘ne smarte Idee‘. Mit sehr viel gutem Willen kann man das ja irgendwie verstehen: Der Auftraggeber will wissen, was die Agentur draufhat, ob die nur Pixel schubsen können oder auch Strategie. Ich heirate ja auch nicht ohne ein paar Dates vorher und kaufe kein Auto ohne Probefahrt.

Bezahlt wird für den Pitch keinen Cent, mit einem Seufzen könnte man das Ganze unter Akquisekosten verbuchen. Von nix kommt auch nix, könnte man sagen. Wäre da nicht dieser kleine und hässliche Absatz im Briefing. Dort steht ohne Wenn und Aber, dass sämtliche Rechte an den vorgestellten Ideen und Ausführungen (die die Agentur auf eigene Kosten zu erarbeiten hat) dem Auftraggeber übertragen werden. Unentgeltlich. Auch dann, wenn eine andere Agentur den Zuschlag erhält. Na ja, ich lese weiter, vielleicht klingt es nur schlimm. Oh, Moment, es kommt noch schlimmer. Die Rechte an der Arbeit werden nicht nur vollständig übertragen, wir sollen auch noch explizit zustimmen, dass unsere Arbeit von Dritten genutzt, verändert und veröffentlicht werden darf! Was um Gottes willen ist in der Kreativbranche eigentlich schiefgelaufen?

Design? Kann doch jeder

Vielleicht liegt es an den niedrigen Einstiegshürden. Hardware- und Serverkosten werden rasend billiger. Statt teurer Software-Lizenzen bucht man heute ein Creative-Cloud-Modell für 29 Euro im Monat und greift zu fertigen Templates aus dem Netz, statt Lösungen selbst zu gestalten.

Ist ja erst mal nichts Anrüchiges. Führt aber dazu, dass jeder, der in der Schule mal Informatik hatte, sich heute für einen Webdesigner hält. Auch texten, fotografieren und gestalten kann gefühlt jeder irgendwie. Das gilt auf Anbieter- wie auf Kundenseite. Also wird munter herumgestaltet und verschlimmbessert, bis am Ende irgendeine lauwarme Konsenslösung steht. Und beim Kunden das Gefühl bleibt: Hab’ ich doch eigentlich selbst gemacht, so schwer war’s ja nicht, das dürfte nicht viel kosten.

Was für ein Bullshit. Gute Agenturen entwickeln Ideen, Konzepte, Lösungen, von denen andere nur träumen. Und die entstehen nicht zwischen Ausschlafen, Katzenvideo und Chai Latte. Auch wenn das viele glauben. Wie oft habe ich das schon gehört: ,Die Fotos für die Corporate-Website? Machen wir schnell selbst, habe mir für den letzten Urlaub eine Digi-Cam gekauft‘. Wer käme denn in anderen Branchen auf so eine Idee? Ich sage auch nicht zum Klempner: ,Kein Problem, die Heizung repariere ich selbst, ‘ne Rohrzange hab’ ich schließlich auch.‘

Jeder Schreiner würde sich weigern, das vierte Tischbein auf die Oberseite des Tisches zu schrauben, nur weil sein Kunde das verlangt. Aber bei Kreativen gehört das gemeinsame Rumgemurkse zum Alltag. Wie oft haben wir das schon gehört: ,Können Sie uns drei bis fünf Entwürfe liefern? Wir stellen uns dann einfach was zusammen.‘

Ja, könnten wir. Machen wir aber nicht. Kreation und Konzept sind kein Baukasten, wir sind hier nicht im Legoland. Wir liefern genau die eine Lösung ab, die nach bestem Wissen und professioneller Erfahrung die geeignete ist. Falls es der Kunde wünscht, korrigieren wir selbstverständlich gern. Aber den zweit- und drittbesten Entwurf lassen wir genauso zu Hause wie die zig Lösungen, die wir auf dem Weg zur besten ausprobiert und aus gutem Grund verworfen haben.

Üblich ist das nicht. Üblich ist es, ein paar mittelmäßige Alternativen mit in die Abschlusspräsentation zu packen, zum ,Abschuss‘. Entscheidet sich der Kunde dann für die drittbeste Lösung, ist er halt selbst schuld. Mal abgesehen davon, dass er die Irrwege und Fehlversuche am Ende mitbezahlt. Denn irgendwie müssen Agenturen das Honorar, das man ihnen nach Kräften vorenthält und wegverhandelt hat, wieder reinholen.

Dabei ließe sich durch ein vernünftiges Auftraggeber-Agentur-Verhältnis einiges sparen. Es müsste zum Beispiel nur jemand die Eier haben, dem Kunden zu sagen, dass sein zigster Änderungswunsch die Lösung nicht besser macht. Dass die von der Frau des stellvertretenden Marketingleiters vorgeschlagene Variante am Ende sowieso nicht umgesetzt wird, aber erst einmal allseits zu hektischer Betriebsamkeit führt.

Typischerweise werden die Folgen der Inkonsequenz über die Nahrungskette nach unten gereicht. Am Ende schwitzt irgendein Praktikant oder schlecht bezahlter Freelancer übers Wochenende am Agenturschreibtisch, damit am Montagmorgen in der Präsentation alles so aussieht, wie es sich der Kunde am Freitagnachmittag noch überlegt hat.

In der Agentur brennt noch Licht

Auch ich habe eine klassische Studium-Praktikum-Agenturkarriere hinter mir. Meine E-Mail-Adresse lautete „Praktikant6@soundsoagentur.com“, so austauschbar war ich. Ich war Teil des breiten Kreativproletarier-Fundaments, auf dem dieses Agentur-Kalkulationsmodell ruht. Am Anfang klingt die Bezahlung auch ganz gut. Wenn ich als Student nebenbei meine ersten freien Jobs gemacht habe, fühlte ich mich wie ein König. 20 Euro pro Stunde – was brauchte ich mehr?

So dachte ich. So denken viele. Eines Tages aber poppen Themen wie Rentenversicherung, Einkommensteuer, Krankenversicherung und Krankheitstage auf, vielleicht sogar Kinder, Familie und Wohnung. Dann sind 20 Euro plötzlich verdammt wenig. Wer für weniger als 35 Euro pro Stunde arbeitet, lügt sich selbst in die Tasche.

Doch wer einmal zu Dumping-Preisen gestartet ist, kommt da kaum noch raus. Auf Flatrate-Niveau bilden sich aber keine dauerhaften Partnerschaften. Die brauchen Agentur und Kunde jedoch, um effizient miteinander arbeiten zu können.

Mein Erweckungserlebnis hatte ich bei der Weihnachtsfeier eines Kunden, zu der man uns als Agentur angefragt hatte. Leider hatten die Organisatoren bei den Vorbereitungen einiges vergessen, also kam unsere Auftraggeberin hektisch auf uns zu und meinte, wir könnten doch schnell mal Indoor-Kamine, Mehrfachsteckdosen und Ähnliches besorgen. Aber bitte subito, schließlich solle die Sause bald steigen. Als ich freundlich anmerkte, dafür seien doch nicht wir als Digitalagentur, sondern vermutlich eher ihre Eventagentur zuständig, starrte sie mich an, als hätte ich ihr gerade von einer Verzehnfachung unseres Honorars erzählt. In diesem Moment wurde mir klar, dass wir ein anderes Selbstverständnis brauchen. Dass wir lernen müssen, Nein zu sagen. Heute würde ich sagen, es war eine der wichtigsten Erkenntnisse meines bisherigen Berufslebens.

Wir haben uns dann von ein paar Kunden und Geschäftsfeldern getrennt. Wir haben uns auf das konzentriert, was wir wirklich gut können und alles Halbgute sein gelassen. Außerdem haben wir uns ein paar Grundsätze verordnet. Es sind nur ein paar einfache Regeln, aber sie verändern die Zusammenarbeit mit Kunden entscheidend.

Erstens: Unsere Preise verhandeln wir nicht. Die Qualität unserer Leistung ist schließlich auch nicht verhandelbar. Zweitens: An Pitches beteiligen wir uns nur, wenn sie vernünftig honoriert werden. Agenturen, die zu erniedrigenden Bedingungen pitchen, werden erfahrungsgemäß selten zu langjährigen Partnern. Drittens: Wir möchten bei Pitches die Größenordnung des Budgets wissen und erfahren, gegen wen wir antreten. Gegen 19 x-beliebige Konkurrenten anzutreten ist wie Lotto-Spielen, nur frustrierender.

Wir verlieren Aufträge. Zum Glück

Unsere Grundsätze haben uns viele Pitch-Teilnahmen und sicher einige Aufträge gekostet. Glücklicherweise haben mein Partner und ich als alleinige Gesellschafter niemanden im Nacken, der uns Quartals- oder Renditeziele vorschreibt. Obwohl wir die mittlerweile durchaus erreichen könnten.

Denn mit der Zeit meldeten sich zusehends Kunden, die uns wegen unserer Kompetenz haben wollten. Heute sind wir, soweit ich das beurteilen kann, nicht weniger profitabel als Wettbewerber, die einfach jeden Job mitnehmen.

Das Markenunternehmen, das uns die dreisten Pitch-Bedingungen unterjubeln wollte, gehört übrigens nicht zu unseren Kunden. Unsere Absage wurde schulterzuckend akzeptiert.“

 

 

Das ADC Festival 2017

Disrupting Deutschland – Creativity beats Technology?!
Müssen Ingenieure bald auch Kreativkonzepte schreiben? Brauchen Art-Direktoren unbedingt einen IT-Background? Hier mehr über das Motto erfahren.

Millerntor-Stadion – Kampnagel Hamburg – Museum der Arbeit
8. bis 21. Mai 2017

Der Countdown läuft: Am 11. Mai zeichnet der ADC in der Hamburger Event-Location Kampnagel die kreativsten Kampagnen des vergangenen Jahres aus. Bevor auf der feierlichen Award-Gala die begehrten Nägel vergeben werden, dreht sich in der Festivalwoche alles um das diesjährige Motto “Disrupting Deutschland – Creativity beats Technology?!” – oder die Frage, wie disruptiv die Ideen „made in Germany“ eigentlich wirklich sind…

mehr : http://www.horizont.netADC-Festival

 

Städel Museum – Ausstellungsfilm

Fotografien werden Bilder. Die Becher-Klasse – Ausstellungsfilm

Volker Döhne, Andreas Gursky, Candida Höfer, Axel Hütte, Tata Ronkholz, Thomas Ruff, Jörg Sasse, Thomas Struth und Petra Wunderlich – mit den Studenten und Studentinnen von Bernd und Hilla Becher verbindet sich eine der radikalsten Veränderungen der Kunst unserer Gegenwart: Ihre Werke sind Ausdruck einer selbstbewussten Emanzipation der Fotografie als künstlerisches Medium. Die Ausstellung “Fotografien werden Bilder. Die Becher-Klasse“ widmet sich nun mit 200 Haupt- und Frühwerken dieser bedeutenden Künstlergeneration.

 

Städel Museum _ Die Becher-Klasse

FOTOGRAFIEN 
WERDEN BILDER
27.4.–13.8.2017

Die Becher-Klasse

Mit den Schülern der ersten Becher-Klasse und mehr noch mit ihren Lehrern, Bernd und Hilla Becher, verbindet sich eine der radikalsten Veränderungen der Kunst unserer Gegenwart. Die Ausstellung versammelt rund 200 teils großformatige Hauptwerke, aber auch Frühwerke dieser bedeutenden Künstlerinnen und Künstler.

Volker Döhne, Andreas Gursky, Candida Höfer, Axel Hütte, Tata Ronkholz, Thomas Ruff, Jörg Sasse, Thomas Struth und Petra Wunderlich

ÜBER DIE AUSSTELLUNG

In einer umfassenden Überblicksausstellung widmet sich das Städel Museum der Becher-Klasse und dem mit ihr verbundenen Paradigmenwechsel im Medium der Fotografie. Anhand von rund 200 Fotografien der international renommierten oder wiederzuentdeckenden Künstler Volker Döhne, Andreas Gursky, Candida Höfer, Axel Hütte, Tata Ronkholz, Thomas Ruff, Jörg Sasse, Thomas Struth und Petra Wunderlich geht die Ausstellung der Frage nach, welchen Einfluss Bernd und Hilla Becher auf ihre Studentinnen und Studenten an der Düsseldorfer Kunstakademie ausübten. Was eint bzw. trennt die Arbeiten der Schülerinnen und Schüler von ihren Lehrern? Gibt es überhaupt so etwas wie eine Becher-Schule oder haben wir es ‚nur’ mit einer Gruppe sehr erfolgreicher Fotografinnen und Fotografen zu tun, die in einem besonders günstigen historischen Moment am ‚richtigen Ort’ studiert haben? Und welchen Einfluss hatten die Künstlerinnen und Künstler auf unseren gegenwärtigen Bildbegriff?
Die Ausstellung „Fotografien werden Bilder. Die Becher-Klasse“ nimmt das Werk des Künstlerpaares als Ausgangspunkt, um die radikale Veränderung im Umgang mit dem Medium der Fotografie, die sich ab den 1980er- und vor allem in den 1990er-Jahren in den Arbeiten der Becher-Schüler manifestiert, aufzuzeigen und ihre kunsthistorische Tragweite bis in unsere Gegenwart zu untersuchen. Zu sehen sind großformatige Hauptwerke sowie zentrale Frühwerke der wohl einflussreichsten deutschen Fotografengeneration.

www.staedelmuseum.de

Don’t Blink – Robert Frank

Don’t Blink – Robert Frank (Trailer OmU) Starttermin 13. April 2017

Der in der Schweiz aufgewachsene und seit den 1950ern in New York arbeitende Fotograf Robert Frank hat mit „The Americans“ eines der herausragenden und einflussreichsten Fotobücher zum Leben in den USA vorgelegt, gemeinsam mit Alan Ginsberg die Beatnik-Bewegung vorangetrieben und einen bis heute nicht veröffentlichten Film über die Rolling Stones gedreht („Cocksucker Blues“), zu dem Mick Jagger meinte: „Es ist ein verdammt guter Film. Aber wenn wir ihn jemandem zeigen, ließe man uns nie wieder ins Land.“
Tatsächlich ist die Biografie des Robert Frank verdammt faszinierend, abwechslungsreich und vielseitig – und so ist es durchaus verständlich, dass sich Regisseurin Laura Israel einfach nicht dazu durchringen kann, auch nur eine Facette davon auszulassen. Das Ergebnis: Ihre Dokumentation „Don’t Blink – Robert Frank“ ist ein extrem temporeicher Rundumschlag, bei dem zwar so ziemlich alles…

Die ganze Kritik lesen www.filmstarts.de

 

PETER LINDBERGH – Kunsthalle München

PETER LINDBERGH
FROM FASHION TO REALITY
13. APRIL – 27. AUGUST 2017

Peter Lindbergh ist einer der einflussreichsten Modefotografen der letzten vierzig Jahre. Neben seinen ikonischen Fotografien, mit denen Lindbergh das Supermodel-Phänomen der 1990er-Jahre begründete, präsentiert diese multimediale Schau mit rund 220 Objektenauch Filme sowie exklusives, bisher ungezeigtes Material wie Storyboards, Requisiten, Polaroids und Kontakt-Abzüge. Die Ausstellung wird von Thierry-Maxime Loriot kuratiert, der in der Kunsthalle München bereits die Mode von Jean Paul Gaultier in Szene setzte.

Mehr auf Arte: Menschliche Realität statt Retusche

http://info.arte.tv/de/menschliche-realitaet-statt-retusche

Steffen Jahn ▬▬ BMW . 1 SERIES . LIMOUSINE . CHINA

Stuttgart based photographer STEFFEN JAHN shoots
the reveal campaign for BMW 1 series / China.
The overall project consisted of 26 images.
Steffen photographed both cars and backplates in
different locations.
Attached find some examples of the work.

▬▬ CREDITS

creative postproduction — GRIT HACKENBERG
photographer — STEFFEN JAHN
client — BMW China
agency — SERVICEPLAN
executive cd — MARTIN GRUENHOFF

SWISS PHOTO AWARD – 2017

19. Swiss Photo Award – vfg.selection
Die Besten der Schweizer Fotografie ausgezeichnet

 

Der Swiss Photo Award – vfg.selection hat  zum grossen Fest der Besten Schweizer Fotografie in die Photobastei in Zürich geladen. Eine interntionale Jury hat die Besten der Schweizer Fotografie unter 525 Arbeiten mit über 4000  Bildern von 490 Fotografen augelobt. Daraus ist die Shortlist der 36 besten Arbeiten mit den 21 Nominierten für die Kategorienpreise entstanden. Die stolzen Gewinner sind: Andrea Helbling, Zürich (Architektur), Anita Vozza, Magglingen (Editorial), Lorenz Cugini, Zürich (Fashion), Jessica Wolfelsperger, Basel (Fine Art), Jaromir Kreiliger, Castrisch (Free), Roshan Adhihetty, Zürich (Reportage) und Diego Alborghetti, Zürich (Werbung).

Bis zum16. April ist die Photobastei die Hochburg der Schweizer Fotografieszene. Sie lädt ein zum Besuch einer erneut beeindruckenden und umfassenden Ausstellung mit aktueller Fotografie «Made in Switzerland», zu Führungen, zu Networking und Austausch.
Die Ausstellung zeigt die 21 besten Arbeiten sowie die 15 Arbeiten der letzten Juryrunde, der sogenannten Shortlist. Dies erlaubt den Besuchern, die Wahl der Jury nachzuvollziehen. Darauf zielt auch das Vermittlungsprogramm ab, welches mit Führungen und mit Videostelen die Argumentation der Jury näherbringen wird.

Die 7 Kategoriensieger erhalten ein Preisgeld von CHF 5000.-. Die Jury argumentiert wie folgt

ARCHITEKTUR- Andrea Helbling, Zürich
Die Arbeit ” Vertreter der Gattung Haus – Häuser und Konglomerate” ist eine Langzeitstudie über Zürcher Häuser aus den 60er und 70er Jahre. Sie zeigt Bauten, die meistens übersehen, als unbedeutend und hässlich empfunden werden. Und doch: Diese Gebäude prägen auf stille, hartnäckige Weise das Stadtbild und das Alltagsleben. Es gelingt der Fotografin zu zeigen, was Architekturfotografie kann, indem sie unseren Blick auf diese Bauten richtet und sie in unser Bewusstsein bringt. Ein Gewinn!

EDITORIAL - Anita Vozza, Magglingen
In ihrer Arbeit “Stumme Zeugen” nimmt sich Anita Vozza die Freiheit, Gegenstände, die sie in einer verlassenen Scheune bei Biel gefunden hat, zu inszenieren. Damit überlagert sie persönliche Geschichte mit der dokumentarischen Geschichte der Gegenstände.Es gelingt ihr so, eine stille, tiefe Arbeit zu gestalten, die die Zeiten der Vergangenheit und der Gegenwart verschränkt.

FASHION - Lorenz Cugini, Zürich
Mit der Arbeit “Ballet des Tapis” inszeniert Lorenz Cugini nicht Mode, sondern Teppiche – und zwar mit den Mitteln der Modefotografie. Die Teppiche tanzen mit den Menschen und werden zu Skulpturen voller Schönheit, Humor und Sinnlichkeit.

FINE ART - Jessica Wolfelsperger, Basel
“Lonely Planet” ist eine sehr offene Arbeit, die mit dem ganzen fotografischen Duktus sehr experimentell umgeht und von welcher man, so Juror Tobia Bezzola, gerne noch mehr sehen würde.

FREE - Jaromir Kreiliger, Castrisch
Amicezia ist ein Langzeitprojekt des Künstlers. Es fängt in Bildern sowohl die Bergwelt Graubündens, wie das Seeleninterieur des Künstlers ein. Die Arbeit hat beide Juroren von Anfang an wegen ihrer Intimität, Offenheit und Atmosphäre angesprochen.

REPORTAGE - Roshan Adhihetty, Zürich
Mit Anleihen aus der Kunst- und Fotografiegeschichte, so der Romantik wie auch der Farbgestaltung von Postkarten aus den 60er und 70er Jahre, erzählt Roshan Adhihetty eine fotografische Geschichte zum Nacktwandern. Voller Humor, ohne ins Lächerliche zu fallen, zeigt er uns bis ins Detail komponierte Bilder einer Welt, die den meisten fremd ist.

WERBUNG - Diego Alborghetti, Zürich
Ausgesuchte Haushaltsartikel aus dem Küchenbereich werden in einer edlen formalen Umsetzung als Mode-Accessoires – in diesem Fall Handtaschen – präsentiert. Die Produkte werden von Models so getragen, wie Frauen ihre Handtaschen oder “Clutches” halten. Die Wahl der Models, das hochwertige Styling, die Qualität der Lichtgebung und die Beschaffenheit der Haut, die an weisses Porzellan erinnert, wiederspiegeln die Bildsprache aus renommierten, internationalen Hochglanz- und Lifestyle-Magazinen.


Der Swiss Photo Award
Der Swiss Photo Award ist einer der renommiertesten und mit einer Gesamtpreissumme von CHF 35’000.- höchstdotierten Fotopreise der Schweiz. Er zeigt Schweizer Fotografie in ihrer ganzen Schaffensbreite in Werbung, Mode, Editorial, Reportage und Kunst. Seit 19 Jahren kürt er jährlich die besten Arbeiten aufgrund ihres hohen handwerklichen und künstlerischen Niveaus.


Weitere Informationen
Die Jury
Die Jury wechselt jedes Jahr. Sie besteht für jede der sieben Kategorien aus zwei Fachpersonen:

Architektur (5’000 CHF)
Fotopreis Fischer AG Immobilienmanagement

  • Meret Ernst, Hochparterre·
  • Georg Aerni, Fotograf

Editorial (5’000 CHF)
Fotopreis SonntagsZeitung

  • Christiane Nill, Studio mc2·
  • Béatrice Mächler, Fotoagentin und Produzentin

Fashion/Beauty/Lifestyle (5’000 CHF)

  • Christa de Carouge, Modedesignerin
  • Jean-Pierre Blanc, Festival für Mode und Photographie Hyères·
  • Monica Pozzi, Photo Director bei Annabelle und Autorin von A Pozzibility

Fine Art (5’000 CHF)
Fotopreis von Leica Cameras

  • Valérie Fougeirol, freie Kuratorin, Paris·
  • Tobia Bezzola, Direktor Museum Folkwang, Essen

Free (5’000 CHF)
Fotopreis der vereinigung fotografischer gestalterInnen vfg

  • Valérie Fougeirol, freie Kuratorin, Paris·
  • Tobia Bezzola, Direktor Museum Folkwang, Essen

Reportage (5’000 CHF)
Fotopreis des Tages-Anzeigers     ·

  • Sascha Renner, Kurator·
  • Melody Gygax, Bildredaktorin, Dozentin, Fotochefin der Basler Zeitung

Werbefotografie (5’000 CHF)
Fotopreis von Samsung

  • Remy Fabrikant, CEO JWT/Fabrikant·
  • Martin Roth, Studio Roth & Maerchy

Shortlist und Nominierte
Der Kategorienpreisträger aus den Nominierten werden an der Eröffnung vom 16. März bekannt gegeben!

ARCHITECTURE
Fotopreis Fischer AG Immobilienmanagement AG (5000 CHF)
Nominierte: Istvan Balogh, Zürich; Beat Bühler, Zürich; Andrea Helbling, Zürich
Shortlist: Roger Frei, Zürich; Hannes Henz, Zürich; Bruno Kuster – Lucia Frey, Horw;
Andreas Tschersich, Berlin

EDITORIAL
Fotopreis der SonntagsZeitung (5000 CHF)
Nominierte: Thomas Kern, Möriken; Simon Tanner, Zürich; Anita Vozza, Magglingen
Shortlist: Aruna Canevascini, Bruzella

FASHION
Nominierte: Dan Cermak, Zürich; Lorenz Cugini, Zürich; Joan Minder, Zürich

FINE ART
Nominierte: Hans Hofmann, Bern; Rahel Krabichler, Köniz; Jessica Wolfelsperger, Basel
Shortlist: Roberto Carbone, Zürich; Corinne Futterlieb, Bern; Florian Luthi, Lausanne;
Graeme Williams, Johannesburg

FREE
Fotopreis der vereinigung fotografischer gestalterInnen vfg (5000 CHF)
Nominierte: Kreiliger Jaromir, Castrisch; Mali Lazell, Zürich; Alma Cecilia Suarez, Marly (FR)
Shortlist: Peter Gartmann, Münchenstein; Sava Hlavacek, Zürich

REPORTAGE
Fotopreis der Tages-Anzeiger (5000 CHF)
Nominierte: Roshan Adhihetty, Zürich; Christian Bobst, Zürich; Scott Typaldos, Lausanne
Shortlist: Flurin Bertschinger, Zürich; Christian Lutz, Châtelaine; Beat Mumenthaler,
Steffisburg; Roland Schmid, Basel

WERBUNG
Nominierte: Diego Alborghetti, Zürich Dan Cermak, Zürich; Michael Egloff, Zürich

Weitere Preise & Benefits

  • Erlass der Einschreibegebühr zum ADC-Award
  • Die besten drei Arbeiten in den Kategorien Fashion und Werbung nehmen an der ADC-Jurierung teil – ohne Einschreibegebühr!
  • Veröffentlichung aller eingereichten Arbeiten in der Bild- & Recherchedatenbank www.swissphotocollection.ch

Hasselblad Award Winner 2017

Rineke Dijkstra » 
Hasselblad Award Winner 2017

The Hasselblad Foundation is pleased to announce that Dutch artist Rineke Dijkstra is the recipient of the 2017 Hasselblad Foundation International Award in Photography to the sum of SEK1,000,000 (approx. EUR100,000).

Shany, Palhamin Israeli Airforce Base, October 8, 2002 © Rineke Dijkstra

The award ceremony will take place in Gothenburg, Sweden, on October 9, 2017. A symposium will be held on October 10 in honor of Rineke Dijkstra, followed by the opening of an exhibition of her work at the Hasselblad Center, as well as the launch of the book Rineke Dijkstra – Hasselblad Award 2017.

www.hasselbladfoundation.org

Aufwachen! Zeit für Frühlingsgefühle

Der Frühling liegt schon in der Luft und passend dazu gibt es ein paar bunte neue Fotobücher des Kehrer Verlages , die Sie nach Afrika, Argentinien, Frankreich und Tibet entführen.

NEUERSCHEINUNGEN

 SARAH COOPER & NINA GORFER | I KNOW NOT THESE MY HANDS

SEEK VOLUME 04: ARGENTINA

Dieses Buch handelt von den allgegenwärtigen Spuren, die eine krisenhafte Geschichte im menschlichen Geist hinterlässt. Auf der Grundlage einer ausgedehnten Recherchereise in den Nordwesten Argentiniens untersuchen Cooper & Gorfer Fragen der Identität mithilfe von Interviews und Fototerminen mit Menschen aus unterschiedlichen Schichten der argentinischen Gesellschaft und der Nachbarländer. mehr lesen

Festeinband | 24 x 31,5 cm | 416 Seiten | 85 Farbabb. | Englisch / Spanisch | ISBN 978-3-86828-778-3 | Euro 48,00 |

Erscheinungstermin: 17. März

Ausstellungen | Fotografiska | Stockholm | Schweden | 11. März – 15. Juni 2017
Gallery Christian Larsen | Market Art Fair | Stockholm | Schweden | 24. – 26. März 2017
The Weather Diaries | American Swedish Institute  | Minneapolis | USA | 25. März – 2. Juli  2017
Interruptions | Kvinnohistoriskt museum | Umeå | Schweden | 24. Juni – 30. November 2017

 EVERYDAY AFRICA – 30 PHOTOGRAPHERS RE-PICTURING A CONTINENTNANA KOFI ACQUAH, PETER DICAMPO, AUSTIN MERRILL, TEUN VAN DER HEIJDEN (HRSG.)Das Everyday Africa Projekt kämpft gegen die Klischeebilder von Afrika als Ort voller Armut, Krankheiten und Krieg. Mit den besten Fotos aus dem gefeierten Online-Projekt zeigt dieses Buch Bilder vom Alltagsleben auf dem afrikanischen Kontinent, die seltene Einblicke von ungeahnter Schönheit gewähren; sie lenken unsere Wahrnehmung von sensationslüsternen Extremen auf eine geordnetere, vertraute Wirklichkeit um.

mehr lesen

Leineneinband | 16,5 x 19,2 cm | 448 Seiten | 267 Farbabb. | Englisch | ISBN 978-3-86828-731-8 | Euro 38,00

TARA BOGART | A MODERN HAIR STUDY

Im Jahr 2011 sah Tara Bogart in der Pariser Bibliothèque nationale die Fotografie Marie Laurent (1856) von Nadar und war sofort fasziniert. Das von hinten aufgenommene Foto zeigt eine junge Frau, deren Haar mit einem verzierten Kamm hochgesteckt ist. Fünf Monate später begann sie mit der Serie, aus der A Modern Hair Study entstand. mehr lesen

Leineneinband | 16,5 x 23,3 cm | 120 Seiten | 79 Farb- und 7 S / W-Abb | Englisch/Französisch | ISBN 978-3-86828-757-8 |

Euro 35,00
Ausstellung | The Burden of my own Immoderation | Hoffmaster Gallery at Lawrence University | Appleton |

Wisconsin USA | 31. März – 7. Mai 2017

DAVID ZIMMERMAN | ONE VOICE
PORTRAITS FROM THE TIBETAN DIASPORA

Werden Menschen von ihrem Heimatgebiet definiert oder von der Kultur, die sie in ihrem neuen Leben aufbauen? Fotografiert in Flüchtlingssiedlungen und Nomadengebieten Indiens, zeigen die großformatigen Porträts von One Voice einen Querschnitt der tibetischen Exilgesellschaft: Nomaden und Händler, Schriftsteller und Revolutionäre. mehr lesen

Schweizer Broschur mit Titelschild | 24 x 32 cm | 128 Seiten | 50 Farbabb. | Englisch | ISBN 978-3-86828-773-8 | Euro 48,00 |

Erscheinungstermin: 15. März

Ausstellungen | AIPAD The Photography Show | New York City | USA | 29. März – 2. April 2017
Sous Les Etoiles Gallery | New York City | USA | Juni – August 2017

 DANIEL ROHNER | DIALOG MIT MI FUDer Schweizer Künstler Daniel Rohner setzt sich seit einigen Jahren fotografierend mit Landschaft und mit der Ästhetik chinesischer Kunst- und Gedankenwelten auseinander. Er steigt in die Rheinschlucht, die sich zwischen Reichenau und Ilanz tief in die Bündner Berglandschaft gegraben hat, er erkundet den Calanda, den Hausberg Churs, und er fotografiert im Laufental bei Basel.
mehr lesenHalbleineneinband | 22 x 30 cm | 120 Seiten | 69 Farbabb. | Deutsch/Englisch | ISBN 978-3-86828-741-7 | Euro 39,90 | Erscheinungstermin: 15. März

Photobastei – Swiss Photo Award

Swiss Photo Award – vfg.selection
17 Mar – 16 Apr 2017
Thu 16 Mar 18:00

Photobastei www.photobastei.ch

Opening & Award Night: Donnerstag, 16. März, 18 Uhr

© Christian Bobst,

Der Swiss Photo Award – vfg.selection lädt erneut zum grossen Fest der besten Schweizer Fotografie. Die Gewinner der Kategorienpreise in der Höhe von je 5000 CHF werden an der Opening Night in der Zürcher Photobastei bekannt gegeben.

Die internationale Jury hat am 29. Januar in Zürich aus einer Shortlist von 36 Arbeiten die 21 Besten und die Kategoriensieger gekürt. Wir freuen uns auf die Vergabe der Titel beste Schweizer Fotografie in den Kategorien Architektur, Editorial, Reportage, Fine Art, Free, Fashion und Werbung.

Vom 10. bis 26. Juni werden auch alle anderen Arbeiten der letzten Juryrunde gezeigt. Dies erlaubt den Besuchern, sich eine eigene Meinung zum Entscheid der Jury zu bilden.

Weitere Informationen: www.swissphotoaward.ch
Die Nominierten:
Architektur
Fotopreis der Fischer AG Immobilienmanagement (5000 CHF)
Die Nominierten: Istvan Balogh, Zürich; Beat Bühler, Zürich; Andrea Helbling, Zürich
Shortlist: Roger Frei, Zürich; Hannes Henz, Zürich; Bruno Kuster – Lucia Frey, Horw; Andreas Tschersich, Berlin
Editorial
Fotopreis der SonntagsZeitung (5000 CHF)
Die Nominierten: Thomas Kern, Möriken; Simon Tanner, Zürich; Anita Vozza, Magglingen
Shortlist: Aruna Canevascini, Bruzella
Fashion
Fashion Fotopreis (5000 CHF)
Die Nominierten: Dan Cermak, Zürich; Lorenz Cugini, Zürich; Joan Minder, Zürich
Fine Art
Fotopreis von Leica Camera AG (5000 CHF)
Die Nominierten: Hans Hofmann, Bern; Rahel Krabichler, Köniz; Jessica Wolfelsperger, Basel
Shortlist: Roberto Carbone, Zürich; Corinne Futterlieb, Bern; Florian Luthi, Lausanne; Graeme Williams, Johannesburg
Free
Fotopreis der vereinigung fotografischer gestalterInnen vfg (5000 CHF)
Die Nominierten: Jaromir Kreiliger, Castrisch; Mali Lazell, Zürich; Alma Cecilia Suarez, Marly (FR)
Shortlist: Peter Gartmann, Münchenstein; Sava Hlavacek, Zürich
Reportage
Fotopreis des Tages-Anzeiger (5000 CHF)
Die Nominierten: Roshan Adhihetty, Zürich; Christian Bobst, Zürich; Scott Typaldos, Lausanne
Shortlist: Flurin Bertschinger, Zürich; Christian Lutz, Châtelaine; Beat Mumenthaler, Steffisburg; Roland Schmid, Basel
Werbung
Fotopreis Werbefotografie (5000 CHF)
Die Nominierten: Diego Alborghetti, Zürich; Dan Cermak, Zürich; Michael Egloff, Zürich

Photobastei
Sihlquai 125
8005 Zürich
www.photobastei.ch
Tue+Wed 12-21, Thu-Sat 12-24, Sun 12-18

EPEA 03 IM HAUS DER PHOTOGRAPHIE

EPEA 03 − EUROPEAN
PHOTO EXHIBITION AWARD
SHIFTING BOUNDARIES
3. MÄRZ − 1. MAI 2017 IM HAUS DER PHOTOGRAPHIE
www.deichtorhallen.de

Vom 3. März bis 1. Mai 2017 zeigt das Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg die fotografischen Essays von zwölf herausragenden jungen europäischen Fotografinnen und Fotografen zum Thema »Shifting Boundaries«. Die Künstler sind ausgewählte Teilnehmer der dritten Runde des European Photo Exhibition Award (epea), einem Gemeinschaftsprojekt der Körber-Stiftung mit drei weiteren europäischen Stiftungen. Die Fotografen kommen aus neun europäischen Ländern. Aus dem deutschsprachigen Raum nehmen Jakob Ganslmeier aus Bielefeld, Robin Hinsch aus Hamburg sowie die in Wien lebende Fotografin Christina Werner an dem Projekt teil. Das Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg und die Körber-Stiftung bieten ein Begleitprogramm zur Ausstellung an.

Marie Hald: The Girls from Malawa, 2015 © Marie Hald

Grenzen erfahren, erkennen und aktiv oder passiv mit ihnen umgehen – das ist ein Phänomen, das nicht nur gegenwärtig die Situation in Europa kennzeichnet. Wie kann man sich der europäischen Geschichte nähern und die ständigen und komplexen Veränderungen in Europa begreifen? Das Thema »Shifting Boundaries« nimmt Bezug auf diese Trennungs- bzw. Teilungslinien und fordert dazu auf, unseren Blick sowohl auf geographische, sozio-kulturelle als auch auf psychologische Schranken zu richten. In ihren Essays thematisieren die Fotografen historische und aktuelle Grenzverschiebungen und urbane Veränderungen und setzen sich mit Wahrnehmungsprozessen und Digitalisierung auseinander.

Margarida Gouveia: The Mirror Game 1 © Margarida Gouveia © Robin Hinsch

Neben Ganslmeier, Hinsch und Werner nehmen folgende Fotografen an epea 03 teil:
Arianna Arcara und Pierfrancesco Celada aus Italien
Marthe Aune Eriksen und Eivind H. Natvig aus Norwegen
Margarida Gouveia aus Portugal
Marie Hald aus Dänemark
Dominic Hawgood aus Großbritannien
Ildikó Péter aus Ungarn
Marie Sommer aus Frankreich

Ausgewählt wurden die Fotografen von Ingo Taubhorn, Kurator des Hauses der Photographie der Deichtorhallen Hamburg, dem norwegischen Fotografen Rune Eraker, dem Soziologen und Kurator Sérgio Mah aus Portugal sowie dem künstlerischen Leiter des italienischen Photolux Festivals in Lucca, Enrico Stefanelli. Die vier Kuratoren haben die Fotografen bei der Erarbeitung ihrer fotografischen Kommentare begleitet.

Jakob Ganslmeier: Lovely Planet Poland, 2015 © Jakob Ganslmeier

Die Präsentation im Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg ist die dritte Station der europäischen Wanderausstellung, die über Paris und Lucca nach Hamburg führt und in Oslo ihren Abschluss findet.

ÜBER DEN EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD (epea)

Der European Photo Exhibition Award ist ein Gemeinschaftsprojekt der Hamburger Körber-Stiftung und der Stiftungen Fondazione Banca del Monte di Lucca (Italien), Fundação Calouste Gulbenkian (Portugal) und Fritt Ord (Norwegen). Ziel von epea ist, die verschiedenen Sichtweisen herausragender junger europäischer Fotografen auf gesellschaftlich relevante Themen zu präsentieren und einen innereuropäischen Dialog anzuregen. Die vergangenen zwei Ausgaben des European Photo Exhibition Award zu den Themen »European Identities« und »The New Social« zogen mehr als 175.000 Besucher in vier Städten an.

Weitere Informationen zum Projekt www.epeaphoto.org

ERÖFFNUNG

Am Donnerstag, 2. März 2017 um 19 Uhr im Haus der Photographie der Deichtorhallen. Es sprechen Dirk Luckow (Intendant der Deichtorhallen), Anja Paehlke (Mitglied des Vorstands der Körber-Stiftung) und Ingo Taubhorn (Kurator Haus der Photographie).

Christof Schmidt – RANGE ROVER 3.5 CLASSIC

RANGE ROVER 3.5 CLASSIC Shooting
Die Aufnahmen vom Fahrzeug hat Christof Schmidt vor zwei Wochen im Studio in Zürich fotografiert. Die Hintergründe sind in den Schweizer Bergen entstanden. Die Berglandschaften mit Himmel sind so Original aufgenommen. Die steinigen Untergründe sind perspektivisch passend fotografiert  Das Projekt ist eine freie Arbeit. Konzept, Composing und Postproduction Christof Schmidt

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Shooting – Mercedes-Maybach G650 Landaulet

Behind the scenes. Simon Puschmann
2 Days of shooting the Mercedes-Maybach G650 Landaulet in the Atacama Desert of Chile.

Director: Simon Puschmann, DOP: Ekkehart Pollack, Music Composition: Harvest Digital Agriculture: Torben Brüggemann and Tom Puschmann, Post Production Film and Photography: Harvest Digital Agriculture. Production: Big Fish, Berlin.

The new Mercedes-Maybach G 650 Landaulet – Trailer – Mercedes-Benz original